Entrevista Carlos Despradel
Sábado 13 de Febrero 2010
Realizada por Patrick Landry

¿Qué es ser un artista del siglo XXI?

Un ser humano comprometido con el arte. Es una condición que no tiene época. El artista debe tener una visión globalizada del arte sin perder sus raíces porque existe siempre una base
antropológica. Entonces, el arte debe ser sincero e internacional utilizando las nuevas tecnologías. Ante todo, se expresa el verdadero sentimiento del alma del artista con sinceridad. Por tanto, el artista debe ser sincero, creativo y conocedor de su oficio.

Las primeras formas de arte aparecen en cerámica. ¿Se siente usted hereditario de estos primeros artistas? ¿De dónde vienen sus fuentes de inspiración?

Claro, me siento hereditario de estos primeros artistas. Un ejemplo: la instrumentación básica es la misma que antes. En el siglo XXI se usa todavía lo de los indígenas. Es algo que perdura.
Realmente la cerámica, para mi, vive por siempre. Estoy orgulloso de ser ceramista. El barro tiene un sabor que llega al alma, es fácil combinar este material con otro, pero es de una fragilidad extrema.
Mis fuentes de inspiración son esencialmente, la naturaleza y el barro. La inspiración puede ser algo muy abstracto. Por ejemplo, la materia cerámica es muy tierra. Los caribeños, estamos en contacto directo con la naturaleza. La tenemos muy cerca. Las formas de la naturaleza son infinitas. Mi mundo es la naturaleza, aunque tenga mucho respeto por los artistas que se inspiran en el mundo humano.

No existe una sola civilización que no ha desarrollado una forma de arte. ¿Por qué el ser humano no puede vivir sin arte?

El arte va dirigido al alma, al espíritu. Eso hace que sea más perdurable. El arte marca la civilización. Todo se va o desaparece. Es el único que queda. Por eso, nosotros los ceramistas dominicanos tenemos la responsabilidad de retomar la cerámica taína. Hay formas muy modernas en el arte taíno: la forma geométrica es algo muy moderno. En algún momento el arte taíno debe ser revalorizado. Pero, el mal uso de los símbolos taínos ha dañado la imagen de este arte. Con un buen uso, podemos lograr formas muy interesantes.
Yo no puedo pasar tiempo sin crear. Es un proceso involuntario. En el cine, caminando, en fin, en cualquier momento, estoy generando algo. Hay periodos buenos y otros que generan problemas.

¿Cuál es la diferencia entre un artista y un artesano?

Soy las dos cosas. Un ceramista deber ser un buen artesano. Los aspectos principales que pueden distinguir los dos son: la producción en serie, una forma de producir el objeto y la oposición individualidad/colectividad. El nivel de individualización de cada pieza determina la categoría del objeto. El artista crea una obra más intelectual y desarrolla más su mundo interior. El artesano puede no tener conocimientos académicos y ser artesano. Él tiene su taller, mantiene la escuela y la tradición. Es su función. Me gusta mucho el artesano.

¿Un artista es siempre la imagen de su época o de la vanguardia?

Para mi el concepto de la vanguardia es muy relativo. Picasso miró atrás con Les demoiselles d’Avignon, retomando formas antiguas. Y él fue vanguardista con eso. Entonces, es algo relativo. Quiero ser un artista creativo, no quiero ser necesariamente vanguardista. Lo que me preocupa es captar la esencia del diseño, retomar las formas tainas, por ejemplo, para expresar una cierta modernidad.

¿Para usted existe una evolución del arte? y si es así, ¿la evolución es linear o se hace por revolución?

El arte evoluciona de manera paralela a la humanidad, por el tema de las coyunturas históricas. El arte es más evolución que revolución. Por ejemplo, el arte moderno o actual está marcado por la tecnología.
Para mí, el arte es más linear, retoma cada vez un poco del anterior y le remueve. El artista utiliza lo anterior como base. Hay siempre una esencia que se queda, algo intangible. Esta esencia es el espíritu del artista, la interpretación de la cosa, el espíritu de la creación.

Hablando de la esencia y de la estructura, Panofsky – el representante del estructuralismo – dice que una forma, por su organización de conjunto, es más que la totalidad de sus elementos. ¿Cuál es su opinión al respecto?

Una obra causa por la impresión general, y su análisis debe incluir todo. Cada parte tiene su propia complicación. Hasta el soporte influye. El artista es responsable de cada parte. Por principio, tengo una visión bastante precisa. Creo mucho en el boceto, en la conceptualización. Me ayuda mucho mi formación de arquitecto. Aunque tenga esta visión precisa, soy el tipo de artista que puede cambiar algo hasta el momento de entregar la obra. Y también hay algo nuevo en cada producción.

Kant es el primero en pensar en dar autonomía a la estética. Así, la belleza existe por sí misma ¿Usted cree que el artista es consciente de lo que produce o solamente tiene llaves para llegar a una finalidad: la obra de arte?

El artista tiene un cierto nivel de independencia. Él responde a un mundo interior, es su esencia. Eso escapa de su control. Por eso, es el reflejo de su alma. Su obra de arte es su mundo interior que sale al exterior. Hay críticos que lo captan y otros no.
La opinión del público me sorprende, porque siempre hay personas que traen comentarios edificantes, ven algo especial. Estas personas tienen una visión fresca y original de la obra.

¿Cuándo el artista sabe que una obra está terminada?

Eso depende de la autoexigencia del artista. Es parte de su independencia, de su espíritu interior, depende de sus criterios propios. Prefiero una obra a la que falta algo, que una que tiene algo de más. También depende del lenguaje usado y del tipo de trabajo. Es muy subjetivo.

¿Cuál es su próxima exhibición?

En 2011, voy a tener una exhibición que tratará la interpretación de la cerámica taína; una redefinición actual de las formas taínas.